En 1993 llegó Doom, un juego que innovó en muchos sentidos y ayudó a establecer el estándar moderno de los FPS. Su combinación de velocidad, exploración, diseño de niveles y juego multijugador cambió para siempre la forma en que entendíamos el género.
Y no solo eso, también revolucionó el juego en red al popularizar las partidas por LAN y los Deathmatch —término acuñado por John Romero, uno de los creadores del juego—. Su éxito fue tal que durante años circuló la historia de que en diversas oficinas y universidades de Estados Unidos se prohibió instalarlo porque empleados y estudiantes utilizaban las redes locales para jugar durante el horario laboral o de clases.
Podría seguir hablando durante horas sobre todo lo que Doom aportó a la industria, pero como ya sabes, en esta sección nos enfocamos en la música. Así que en La vida es un videojuego analizaremos el tema principal de la banda sonora de Doom y descubriremos por qué, más de tres décadas después, sigue siendo una de las piezas más emblemáticas en la historia de los videojuegos.
El hombre que puso música al infierno
Si hay una pieza capaz de definir la esencia de Doom, esa es At Doom’s Gate, también conocida como E1M1. Desde sus primeros compases deja claro el tono de la aventura: una frenética batalla contra hordas de demonios donde la velocidad, la acción y la tensión prácticamente no dan respiro.
La banda sonora fue compuesta por Robert “Bobby” Prince desde su estudio personal en Texas. Antes de dedicarse a los videojuegos, trabajó como músico profesional y también ejerció como psicólogo y abogado. A finales de los años ochenta comenzó su carrera en la industria, lo que eventualmente lo llevó a colaborar con id Software en títulos como Catacomb 3-D, Wolfenstein 3D y Duke Nukem II.
Sin embargo, componer la música de Doom no fue una tarea sencilla. Bobby trabajaba de forma remota, por lo que apenas conocía el juego y, además, gran parte del proyecto todavía estaba en desarrollo cuando debía entregar las composiciones. En muchos casos tuvo que crear la música con muy poco contexto sobre los niveles donde terminaría sonando.
A esto se sumaba otro desafío. Aunque Bobby tenía una sólida formación musical con fuertes influencias del jazz, John Romero, quería que el juego tuviera una identidad claramente inspirada en el heavy metal. Para lograrlo, le prestó discos de bandas como Metallica, Pantera, Slayer y Alice in Chains, que sirvieron como referencia para definir el estilo que buscaba el equipo.
Con esas referencias, Bobby Prince compuso toda la banda sonora utilizando Sequencer Plus Gold, un secuenciador MIDI — para que te des una idea, muchas de las piezas que se reproducen en un karaoke están hechas en este formato — muy popular en aquella época. Esto significa que la música no fue grabada con instrumentos reales, todo lo que escuchamos proviene de secuencias MIDI interpretadas mediante los sintetizadores y bancos de sonido de las tarjetas de audio compatibles con el juego.
Lejos de ser una limitación, aquella decisión permitió que la música cumpliera perfectamente su objetivo. Al igual que Doom, su banda sonora fue ampliamente reconocida y terminó convirtiéndose en una de las más influyentes en la historia de los videojuegos.
El riff que hizo historia
At Doom’s Gate es una pieza muy interesante porque no busca construir una introducción lenta ni generar expectativa. Desde el primer compás, presenta un riff — frase musical corta, pegadiza y rítmica que se repite a lo largo de una canción —agresivo que transmite una inmediata sensación de movimiento que, sumada al ritmo de la batería, es como si el combate ya hubiera comenzado antes de que el jugador tomara el control.
Uno de sus mayores aciertos es precisamente ese riff principal. Aunque está interpretado con guitarras MIDI, es corto, contundente y extremadamente fácil de recordar. Este tipo de recursos suele utilizarse con frecuencia en la música popular para crear melodías memorables. En un videojuego, sin embargo, podría convertirse en un arma de doble filo, ya que escuchar el mismo motivo una y otra vez durante largas sesiones podría resultar tedioso. Afortunadamente, Bobby Prince evita ese problema gracias a la energía del arreglo y al propio ritmo del juego, que mantienen la pieza fresca incluso después de escucharla durante horas.
Compuesta en mi menor (Em), la obra no utiliza una estructura tradicional con secciones claramente diferenciadas, sino que apuesta por un desarrollo cíclico. Esta decisión permite que la música acompañe la acción sin interrumpir el flujo del juego, reforzando constantemente la sensación de velocidad, tensión y movimiento que caracteriza a Doom.
Y todo esto lo consigue en una pieza que dura menos de dos minutos. El poderoso riff de guitarra, la batería sintetizada y el resto de los instrumentos MIDI forman una combinación que se integra perfectamente con la acción en pantalla. El resultado es un tema que no solo acompaña al jugador durante el primer episodio, sino que terminó convirtiéndose en uno de los mayores símbolos de Doom y de toda la historia de los FPS.
Más de 30 años haciendo historia
Una vez que Bobby Prince terminó de componer y secuenciar toda la banda sonora, fue John Romero quien decidió qué tema acompañaría cada nivel del juego. Para el primer escenario, Hangar (E1M1), eligió At Doom’s Gate, ya que capturaba a la perfección la velocidad, la intensidad y el espíritu frenético con el que quería presentar Doom desde el primer segundo.
Así nació una de las piezas más emblemáticas en la historia de los videojuegos. Curiosamente, por la época en la que fue lanzada, nunca recibió grandes premios oficiales. A principios de los años noventa todavía eran muy escasas las ceremonias que reconocían la música para videojuegos como una disciplina propia.
Sin embargo, el paso del tiempo terminó dándole el reconocimiento que no obtuvo en su lanzamiento. Hoy, At Doom’s Gate y toda la banda sonora, aparece con frecuencia en recopilaciones elaboradas por la crítica especializada, entre ellas:
- Top 100 Video Game Soundtracks
- Best PC Game Music Ever
- Most Influential Video Game Soundtracks
- Best FPS Soundtracks
Más allá de estas listas, quizá su mayor logro fue demostrar que un videojuego de acción podía construir una identidad musical tan poderosa como la de una película. Sus influencias del thrash metal, heavy metal, groove metal e incluso algunos matices de industrial ayudaron a definir el sonido que durante años caracterizaría a muchos shooters, además de abrir nuevas posibilidades para la música de videojuegos en las décadas posteriores.
Porque si Doom revolucionó la forma de jugar un FPS, su música también cambió para siempre la forma en que un shooter podía sonar.
Un legado inmortal
Han pasado más de tres décadas desde el lanzamiento de Doom, y la música de Bobby Prince sigue sonando con la misma fuerza que en 1993. Lamentablemente, el compositor falleció el 18 de junio de 2026, a los 81 años, dejando un legado que marcó para siempre la historia de los videojuegos e inspiró a generaciones posteriores de compositores, entre ellos Mick Gordon, responsable de la banda sonora del reboot de DOOM (2016).
At Doom’s Gate demuestra que no hacen falta composiciones complejas para crear un clásico. Su poderoso riff, la energía constante y la perfecta integración con el ritmo y la atmósfera del juego hicieron que esta pieza trascendiera su época y se convirtiera en uno de los temas más reconocibles de toda la industria.
Y quizá ese sea su mayor mérito: más de 30 años después, basta con escuchar sus primeros compases para saber exactamente qué viene después… bajar al mismísimo infierno y enfrentarse a una horda de demonios.
Así que te invitamos a volver a escuchar este gran tema y contarnos en los comentarios: ¿Cómo conociste At Doom’s Gate? ¿Qué otra pieza de videojuegos te gustaría que analizáramos? Déjame tus respuestas aquí abajo en los comentarios o en Facebook, Twitter (X), Instagram y Bluesky. No olvides seguirnos en nuestro canal de WhatsApp.
Joselo Calderón te dice, Somos accidentes, esperando a suceder.
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